L’arrivée de Perila, alias Aleksandra Zakharenko, sur l’increvable label norvégien Smalltown Supersound est presque symptomatique du passage d’un artiste à la notoriété en devenir vers un plus large public. Un exercice plus redoutable qu’il n’y paraît, capable de casser des espoirs, les légendes naissantes. Propulsant, à leurs risques et périls, de jeunes pousses entourées de spéculations écrasantes vers une réalité exigeante, mesurable et chiffrable.

Un résultat bluffant

Mais cessons toute tentative de chronique de la déception. Aucune baisse de régime chez Perila. Toujours une première impression de magma sonore on ne peut plus « free » voire «  freaky ». De grands écarts, des passerelles entre musique concrète, dub, spoken word pour un résultat déroutant et aventureux. Parfois, un chant vaporeux et/ou fantomatique viendra mettre en évidence, si besoin était, la visée psychédélique et rêveuse de l’entreprise. Sur ce premier album officiel, enregistré l’année dernière dans un village français déconnecté, la musique reste bluffante.  Une nouvelle pierre dans la rénovation de la « maison ambient » initiée depuis quelques temps par des proches et collaborateurs berlinois de l’artiste comme Ulla ou Special Guest Dj.

Spontanéité « ambient »

 Et avec une approche du genre résolument éloignée de toute idée confortable ou conservatrice. Préférant toujours l’imperfection et la spontanéité d’une mixtape artisanale à l’album carré, prêt à entrer dans on ne sait quelle grande histoire. De la bande-son cinéma à la création d’un organisme musical en constante évolution, l’éventail des possibilités soniques laisse pantois. Évitant encore une fois toute démonstration virtuose pour privilégier un ensemble de nuances, de climats inconnus, prêts à affronter les avant-gardes et classifications. À vous maintenant de rencontrer ce disque sauvage…

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Vous pouvez écouter l’album de Perila sur Bandcamp.

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Zoom sur Astral Industries : le label aux pochettes belles comme un roman graphique propose deux rééditions ambient particulièrement pertinentes, qui viennent éclairer deux moments oubliés ou méconnus d’un genre désormais présent sur tous les fronts de la ligne temporelle.

A Miscellany for the Quiets Hours – The Humble Bee – 2009

Première escale, pas si lointaine, dans cette remontée du temps, en 2009. Craig Tattersall, activiste musical anglais, habitué aux travaux en groupe (The Boats) et collaborations, sort sur une poignée de CdR, vite épuisés, un album sous le nom de The Humble Bee. Et c’est un miracle de mélodies diffuses et d’arrangements méticuleux. De textures et d’enregistrements dont on cherche encore la provenance.

Une musique de chambre d’une autre décennie, mais un disque justement prêt pour explorer le temps et nous emmener dans une déambulation paisible mais riche en images et mystères. On pouvait compter sur Theo Ellsworth, dessinateur « officiel » du label Astral Industries, pour illustrer cet album à la fois cosy et aventureux et le déplacer dans son utopie spatiale. Un monde de science-fiction, extra-terrestre, candide et psychédélique, intensément lié aux choix de parutions discographiques de la structure londonienne de Ari Farahani.

Gobi – Monolake – 1999

Autre pochette, autre aventure, cette fois datée de 1999. Gobi (The vinyl edit) par Monolake. Pièce ambient-techno, loin des niches stylistiques que pouvait faire craindre l’appellation, mais dans le désert exactement. Jeu quasiment cinématographique pour l’auditeur/spectateur : envisager et enquêter sur les sources , idées et outils utilisés.

Et ainsi, alimenter la légende de cet enregistrement aux allures d’illusion électronique. Dans cette ambiance nocturne et minimale, incroyablement agencée par Robert Henke, chacun tentera de distinguer le chant d’un insecte de celui de la machine.

Deux rêveries, l’une secrète et intimiste, l’autre spectaculaire et technologique, aussi singulières que séduisantes.

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Troisième et dernière bonne surprise de cet hiver hollywoodien, Carol confirme la capacité du cinéma américain à renouer avec son art de la fabrication. Cette constatation est à double tranchant pour Todd Haynes, metteur en scène à la filmographie respectable, mais justement un peu prisonnière de sa direction artistique. Depuis Loin du paradis ou la mini-série Mildred Pierce, on sait le soin apporté à chaque détail, casting, photographie, musique, décors, costumes … Mais il fallait sans doute, pour le réalisateur, passer à la vitesse supérieure, aller au-delà du vernis prestigieux qui retenait ses portraits et ses récits « à la Douglas Sirk ».

On retrouve ainsi les années 50 et cette fois l’adaptation d’un roman de Patricia Highsmith. Un New-York à l’approche de Noël. Immense magasin de jouet, petite vendeuse et grande dame. Rencontre, yeux grands ouverts et attirance. La mise en place de cette étincelle repose peut-être sur deux arguments visuels et matériels inattendus : un train électrique miniature (hypnose en boucle et existentielle, un rien triviale, de la vie aisée de Carol) et la photographie (que Therese pratique en amateur, hors de son temps de travail). Légères diversions et métaphores d’une autre vie possible pour les deux protagonistes.

Histoire d’amour ? Relation passionnelle sur fond de classes sociales ? La grande force de Carol est avant tout de décrire comment cette jeune fille et cette femme vont tenter de passer de plus en plus de temps ensemble, lors d’un déjeuner, d’une invitation. Jusqu’à cette virée en direction de Chicago, stoppée ironiquement dans la bourgade de Waterloo. Road-trip amorcé par un standard américain de Noël, à bord de la voiture de Carol, et formidable aubaine pour Todd Haynes de larguer les amarres de ses propres conventions, de se jouer des artifices de la reconstitution d’époque. On a, ici et là, beaucoup évoqué le cadrage du film à travers le motif de la vitre, mais il faut voir cette berline rouler au pas dans les rues de New-York lors d’un plan presque irréel, où le monde serait devenu maquette. L’effet est loin d’être spectaculaire ou grandiloquent, mais sa force est indiscutable dans le programme annoncé.

De restaurants (les fameux Dinner, en majesté dans ces années-là) en motels ou hôtels plus luxueux, autant d’étapes obligées et figures de style du road-movie, admirablement et sobrement photographiées par Edward Lachman, qui vont tracer et confirmer la voie vers la complicité et le désir des deux héroïnes. Il n’est alors plus question de mélodrame, mais d’échappée, de reprendre à son compte les promesses des enseignes du paysage ou rêve américain de cette époque, pour en faire un itinéraire vers la liberté … Avant que les choses ne se compliquent, que Carol ne soit ramenée à son statut de femme mariée et mère. Et que Todd Haynes, de retour à New York gère, entre dureté et délicatesse, cette romance contrariée de manière plus classique, mais tout aussi convaincante.

Tel un générique, on saluera sincèrement toute l’équipe du film, Cate Blanchett et Rooney Mara évidemment, Kyle Chandler, figure solide du père de famille isolé, déjà remarqué avec sa performance pas si lointaine dans Super 8. Et le score de Carter Burwell, passé maître dans l’utilisation, peut-être rétro, du haut-bois ou de la harpe, mais utilisés ici en instruments de velours majeurs du mélodrame.

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Pas évident de se laisser aller à un énième papier sur Star Wars après un tel déferlement de commentaires, avis de spécialistes, et autres opportunités journalistiques dérivées. Plus de quinze jours après sa sortie mondiale, étalée sur un long week-end et avec des records pulvérisés, en cours ou à venir, il faut reconnaître que la découverte de ce nouvel épisode a été une vraie joie de spectateur, de cinéphile, de fan. Un inévitable coup de blues via SMS, sur le ressenti, qui penche parfois vers la déception, chez nos amis, proches ou concernés. Et un mystère de cinéma, autour de J.J. Abrams, qui reste entier.

Les premières impressions au sortir du Réveil de la Force, demeurent aujourd’hui intactes : une sensation de grande vitesse tout en trouvant parfois le temps un peu long. Un apprentissage visuel éblouissant de la découverte des nouvelles planètes et personnages de la franchise. Qui passe, entre autres, par un soin assez exceptionnel apporté aux décors et paysages de l’univers. Un scénario très critiqué, qui ose pourtant la pâtisserie feuilletonesque propre aux serial cités par George Lucas. Laissant loin derrière le péplum politique (la prélogie) ou la récupération cynique d’une saga sous un masque d’artisan stylé maniant tous les degrés de lecture (la routine des projets sf/fantastiques à Hollywood, ces dernières années, à quelques exceptions près).

Les 2h15 de ce chapitre ressemblent à un coffre, pour ne pas dire un trésor d’entertainment (qu’on traduirait bien pour l’occasion par « art de l’éphémère ou de l’instantané »). Un tissu d’aventures, dont l’étoffe principale ou plus simplement le cœur du film, pourrait bien se trouver lors des séquences avec la pirate Maz Kanata (Lupita Nyong’o). Passage obligé de motion-capture, souvent à la limite du grotesque, pour un blockbuster, transformé ici en épisode palpitant à lui tout seul.

Ce personnage devenu culte en quelques jours chez les fans de la série, semble rassembler autour d’elle les qualités de J.J.Abrams. Une humble fascination pour des énigmes encore et toujours inédites, et la faculté de relancer une intrigue, en impliquant le spectateur d’aujourd’hui, qu’on croyait revenu de tout : des coups de théâtre des séries télévisées comme de l’histoire des effets-spéciaux au cinéma. Maz Kanata, n’est pas Jedi et a quelque chose à confier à Rey, la nouvelle héroïne de Star Wars. Mais son apparition, la profondeur de son personnage et la mise en scène qui l’accompagne représentent peut-être l’étape reine et décisive de notre adhésion ou non, spectateurs adultes et mortels, à cette nouvelle trilogie.

Le Réveil de la Force n’est pas le chef d’oeuvre d’Abrams, peut-être parce que le film n’est pas parfait, paradoxalement plus inspiré par les racines familiales et fantasy de la saga que par sa dynamique purement spatiale . Parce qu’il reste aussi une commande et un chantier de production de luxe, où le réalisateur ne cherche pas à poser coûte que coûte sa griffe sur la légende. Mais cette mise à feu et ce décollage plus réussis que les meilleurs pronostics, confortent le réalisateur et scénariste dans un étrange statut hollywoodien, à la fois transparent et capable d’impacts émotionnels. Avec, plus que jamais, de grands pouvoirs, mais encore au service d’immenses et redoutables studios.

Aucun spoiler ne peut aujourd’hui donner des indices sur le devenir cinématographique de J.J.Abrams, hors activité de producteur. Ce ne sera donc pas tout à fait un hasard si un suspense hitchcockien plane autant sur la suite de la trilogie que sur la destinée du metteur en scène.

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Autant le reconnaître d’entrée, on ne misait pas grand chose sur le nouveau film de Quentin Tarantino. La faute sans doute à quelques déceptions, des promesses cinématographiques pas toujours tenues depuis Kill Bill. Et puis, un léger agacement, devant la pose du réalisateur et scénariste s’agitant pour être sûr de bien incarner le « dernier grand cinéaste classique américain de notre temps ». Dernières accroches pour être vraiment dans le coup post-moderne : des projections en 70mm rares et recherchées avec 8 minutes d’images inédites, une musique originale composée par Ennio Morricone …

Pourtant, The Hateful Eight va, en quelques minutes d’ouverture, de générique et plusieurs chapitres suivants, nous plonger dans un enfer blanc qui s’éloigne des ricanements et rassure un tant soit peu sur son auteur. Et ce sont justement les arguments de promotion du film cités plus hauts, qui permettent au film d’installer une véritable ambiance. La photo signée Robert Richardson est effectivement renversante, dans le Wyoming enneigé ou en intérieur. La partition de Morricone parvient quand à elle à immortaliser le film grâce à un seul thème, menaçant et efficace.

Cette part de création partagée, n’a peut-être pas valeur de critique, mais vient quand même perturber l’image d’un metteur en scène tout puissant,un peu perdu dans ses certitudes pleines à craquer de références. Si la filmographie de Q.T. a souvent été soignée, stylée, il y a du nouveau ici. Un soucis de fabrication qui va au-delà de la maniaquerie, du détail d’époque. Mais aussi une signature, des influences, références et un jeu de massacre à lecture politique de plus en plus affirmé.

On peut désormais parler de recette habituelle pour le cinéaste, en reconnaissant que The Hateful Eight, dans son registre de western sanglant, se défend plutôt bien. Sans évoquer son intrigue ou ses influences, et avec la complicité des comédiens, qu’on peut envisager cabotins ou impliqués (le talent de Jennifer Jason Leigh et Walton Goggins viennent immédiatement à l’esprit), ce huitième film de Tarantino aussi outrancier que teigneux, ressemble à un retour plaisant aux affaires.

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Beaucoup plus posé que « L’inquiet », ce second volume se distingue d’abord par une puissance formelle surprenante. Une mise en scène dépourvue d’effet clinquant, qui ne cherche pas en à en mettre plein la vue ou nous regarder de haut, mais qui déroule pourtant, sur plus de deux heures, des images et des séquences magiques. Reliant les paysages et les êtres vivants de la plus belle manière, tenant haut la main la promesse d’un tel projet : un portrait actuel du Portugal en prise directe avec la réalité, transformé en chasse au trésor poétique à travers l’œil d’un cinéaste. On retrouve également cet habillage (lettres en jaune tout au long des films pour son chapitrage), détail pop, propre à Gomes et à son admiration pour le cinéma de Wes Anderson dont les films sont toujours accompagnés d’informations ou commentaires drolatiques.

Et les histoires, les récits ? Simao, présenté en voix off par Shéhérazade comme un« fils de pute ultra raffiné », est en cavale, cerné par les drones de la police en pleine campagne. Roublard hédoniste et isolé, ce personnage symbolise à lui seul la tonalité rebelle et mélancolique des trois volumes. Marginal et contrebandier, mais futur héros du peuple. La juge et ses larmes, tentant de rendre justice dans un tribunal nocturne, en plein air. Désolée assurément, devant le chaos du monde où chacun a ses raisons de mal agir, emporté par la confusion. Chapitre exigeant, carnavalesque et humoristique où la parole est reine jusque dans le langage des signes. Une théâtralité, dont on ne raffole pas vraiment au cinéma, mais qui nous plonge ici dans une belle intensité.

Est-ce le costume d’époque de la juge ? La truculence des dossiers judiciaires ? Ce segment nous fait en tout cas songer au cinéma de Manoel de Oliveira, austère en apparence, mais véhiculant nombre d’idées et de réflexions, un regard percutant et critique sur le monde. Avec Simao, c’était un autre géant du cinéma portugais qui planait légèrement au-dessus de la campagne : Joao César Monteiro. Sensation réconfortante de voir un cinéaste s’atteler à un projet pharaonique et revendiqué comme « ultra-contemporain », tout en traçant une ligne logique et émouvante avec l’histoire cinématographique de son pays.

Reste « Les Maîtres de Dixie », multitude d’histoires imbriquées dans l’immeuble d’une cité. Là-encore, un bloc narratif pas évident à appréhender pour le spectateur, mais qui représente un autre cœur du film. Dixie est un chien porte-bonheur, une chanson de Tim Maia « Que Beleza » accompagne sa rencontre avec le spectateur. Il hante véritablement l’immeuble, témoin des joies simples, de la solitude ou du désarroi de ses habitants. Dans l’ultime tour de force de ce second volume, il rencontrera même son double ou son ancêtre fantomatique.

A travers ses déambulations et ses différents maîtres, c’est toute une population (essentiellement jouée par des acteurs professionnels, encore un paradoxe) qui prend sa revanche sur le cinéma. Qui aurait par exemple l’idée de filmer aujourd’hui Humberto et Luisa, vieux couple désabusé, fumant le soir au lit ? Pas de misérabilisme ici, juste l’honnêteté d’une bande-son qui ressort des hits FM des années 80 (Lionel Richie, Century) ou le rap d’un jeune locataire pour faire souffler un spleen extrêmement attachant dans ces appartements ou ces ascenseurs à l’abandon.

Un troisième volume vous fera découvrir Shéhérazade, cette fois héroïne d’une histoire à part entière, des pinsonneurs et leurs oiseaux, et d’autres chansons … L’enchanté sera le feu d’artifice final de cette trilogie incroyable, pulvérisant nos idées reçues sur le film d’auteur européen bien comme il faut. Pas sûr qu’on y revienne ici, mais n’attendez pas un coffret DVD de fin d’année, qu’on annonce prestigieux, pour vivre cette expérience aussi réjouissante que déroutante, dans une salle de cinéma.

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Les mille et une nuits – Bande annonce from Shellac Sud on Vimeo.

Faire monter l’attente autour d’un film est une chose. Retrouver le spectateur ravi à la sortie de la projection est moins évident. Derrière cette formule facile, se cache peut-être l’un des enjeux de ces Mille et une Nuits : trouver son public. L’emmener au cinéma pour de vrai, sur la foi d’une rumeur emballée, pour découvrir un phénomène de foire. Un film-monstre de 6h21,  volontairement transformé par ses créateurs en trilogie estivale. Ce premier volume, met en confiance, mais par des voies risquées ou inattendues. On retrouve cet esprit joueur, presque interactif, présent depuis longtemps dans les films de Miguel Gomes. Des plus désenchantés (La gueule que tu mérites) aux plus arty (Tabou). Textes d’avertissements sur l’adaptation des contes, de présentations, inscriptions diverses et présence du réalisateur et de son équipe à l’écran.

C’est par une mise en abyme mêlée à un torrent documentaire que nous découvrons le Portugal. Par temps de crise, de manifestations, d’austérité. Il fallait oser ouvrir un film comme cela, tel un chantier en surrégime donnant sur l’océan. Alors que la situation du pays inspire l’inquiétude et la confusion, la mise en scène nous emmène déjà ailleurs, nous évade. Pas nécessairement vers la facilité en forme d’aller-simple pour un émerveillement béat. Mais sur des choix de récits, de gens, d’animaux. Ainsi vont Les Mille et une Nuits, et les registres vont se succéder, parfois cohabiter dans une même histoire, avec des chapitres qui toucheront probablement moins que d’autres…mais l’embarquement cinématographique a déjà bien eu lieu.

« L’inquiet » est assez mal élevé, satirique, punk jusque dans ses choix musicaux, comme une suite de dessins humoristiques sur l’actualité locale et internationale. Mais, ce constat étant fait, il ne faut peut-être pas trop délimiter ces volumes, et se contenter d’apprécier ces moments de cinéma comme ils viennent. Ainsi, lorsqu’une querelle de village éclate autour d’un coq, le film se rapproche de Ce cher mois d’août, et montre l’indiscutable talent de conteur du réalisateur. Ses greffes miraculeuses vers d’autres récits parallèles. Quelques échanges de SMS entre deux jeunes gens de la même localité et le film ajoute une autre respiration, un début de micro-romance au cœur des conflits des anciens. Fabuliste, romancier picaresque, essayiste… Autant de compétences littéraires qui feraient presque oublier Miguel Gomes comme cinéaste.

Une seule séquence suffira à nous rassurer, toujours dans le même chapitre de ce premier volume : les habitants du village, autour de l’animal en cage et en procès, sur une petite place à la lumière variable. Scène documentaire immuable, ancestrale et, ou surtout, mythologique, captée par Gomes et Sayombhu Mukdeeprom, chef-opérateur de Weerasethakul jusqu’à ce film. Loin de tout folklore, il y a aussi dans ‘L’inquiet’ une redistribution des rôles que l’on retrouvera tout au long des Mille et une Nuits. Acteurs confirmés ou anonymes, tous participent à ce pied-de-nez au casting parfait, à la figure trop évidente du contre-emploi. Tous, mobilisés pour témoigner d’une nouvelle forme de récit choral, poétique.

Pour ne pas décrire scolairement d’autres chapitres, ajoutons que l’adhésion vers les Mille et une Nuits se concrétise dans un sentiment d’extrême liberté mais dans une relation exigeante entre le réalisateur, ses histoires, son pays et les spectateurs de son film. Rendez-vous pour le 2ème volume, « Le désolé », le 29 juillet, pour évoquer au moins Shéhérazade, évidente oubliée de ces premières impressions.

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Voyez déjà cette pochette noire et or, étrange figure élaborée par Louis Reith et Bill Kouligas, qui annonce la couleur : celle du mystère, d’un trésor soul instrumental comme on en découvre une poignée par décennie. Pour, ensemble, nous situer, remontons à l’album de Flying Lotus Los Angeles (2008), qui offrait de nouvelles perspectives aux beatmakers, où abstraction rimait avec évocation à travers le portrait d’une mégalopole. Ou encore à l’anglais Actress (déjà responsable d’albums, remixes et lives parfois incroyables) reprenant lui-aussi à son compte l’idée de city-guide nocturne, éventuellement dansant, souvent fascinant).

On pourrait ajouter encore quelques noms d’artistes et titres d’albums pour dessiner un nouveau cosmos, voisinant avec admiration l’oeuvre de Sun Ra. Avant que l’appellation devienne complètement galvaudée, reconnaissons une qualité quasi indiscutable à Circuitous : l’immersion. Sur près de 80 minutes, Eric Douglas Porter a choisi l’innovation, nous donnant l’impression de découvrir le fruit de ses recherches en simultané. Exercice périlleux et effrayant, piège jazz-rock menaçant …

C’est tout l’inverse ici. Et si la densité de chaque titre est un peu inquiétante à la première écoute, elle se transforme vite en superbe récit d’exploration. Les genres musicaux (broken-beat, bass-music, hip-hop, ambient, free…) se fondent dans un labyrinthe électronique. Un énième rêve de science-fiction musicale, mais qui parvient à éviter la citation trop marquée, qui tient l’auditeur entre surprise et sidération, accélérations et contemplation.

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